台北當代藝術館 官方網站 Museum of Contemporary Art, Taipei

邱杰森（台灣）1986年生於桃園，現為元智大學藝術與設計學系專任助理教授，臺藝大美術系當代視覺文化博士、法國蒙彼利埃高等美術學院藝術碩士。他專注於創作與記憶、空間和歷史文獻有關的作品，並將他對人類足跡和思維過程的微妙體驗轉化為藝術，專注於創造關係中存在的流動、想像和再現的記錄人、物、空間和環境之間。由於他在當代藝術、傳統工藝和歷史建築方面的豐富經驗，近年來他一直在通過結合技術對象和材料的藝術實驗來探索歷史人類足跡與藝術之間多學科融合的可能性。

曾獲2021年X-Site計畫首獎、2017年臺北美術獎、2018年宜蘭美術獎、2016年臺南新藝獎及2015高雄獎等獎項，策劃2023年烏蘭巴托國際媒體藝術節「蒙太奇」、2021年北美館X-Site《爆炸容器》、2021年空總「超編碼-地理圖／誌的藝術測量術」、2019年臺藝大「中心學：北投移民村的地景攝影計畫」等展。

莫珊嵐（法國）1993年生於愛爾蘭，現為臺藝大美術系當代視覺文化博士生。2016年畢業於法國蒙彼利埃高等美術學院。莫珊嵐的作品經常質疑數位圖像領域裡的「在場」和「再現」的概念，討論在當代生活裡對「看」跟「去」的定義。從感知與認知、現實與虛擬、空間與時間中相互矛盾關係，建構在質疑「現實」的種種假設與問題。「現實」是否即是「真實」？她主要的對象是城市的景觀，通過個人角度的觀察，表現出她眼前的都市生活。通過她設計的方法和規則，她試圖盤點地方，挑戰熟悉與陌生之間的張力，她對地方的表現與其思考、居住方式並論。

作品曾獲法國2016年Création Drawing Room特獎、2018年宜蘭獎等肯定，受邀參與2023台灣燈會、2022桃園地景藝術節、2021寶藏巖光節、2021印尼日惹雙年展台灣館代表藝術家、2021高雄市立美術館泛南島藝術祭等展。

「超級浪」藝術團體於 2020 年在台北市萬華區成立，其成員大多為在 2020 年文化部「MIT」計畫中傑出的藝術家，初始成員包括蔡士翔、洪譽豪、邱杰森、林思瑩、莫珊嵐和賴佩君。團名「超級浪」象徵對當代藝術變異與不確定性的追求，自視為藝術浪人，將當代藝術的獨特特質融入環境中，啟動一場深刻的藝術對話。

楊子強，「雕塑2052」藝術空間創辦人、首席雕塑家。現任新加坡藝術大學，南洋藝術學院純美術系課程發展顧問團成員。

2022年創辦「雕塑2052」藝術空間，積極推廣當代立體藝術創作，編輯與協同出版新加坡雕塑學會電子書《reTHINGing Sculpture in Singapore 2021》，為此次雕塑研究計畫「物性—新加坡雕塑2021」撰寫主題研究文章，與策展論述〈數碼時代的物性反芻與六件私有之物〉。2023年創辦第一屆新加坡鞋盒雕塑雙年展之「雕塑觀光團：上天，下地，入海」。所寫的〈泥塑的時間劇場〉也於2022年收錄於國立臺灣美術館所出版的《前沿與邊緣》。2023年個人實驗展「電子傳送門計畫：黃榮庭」，透過數位工具探討數位記憶搜索，塑造電子虛擬體，回歸三維實體的當代雕塑實踐計畫。2021年，個人作品集《模糊時尚》正式出版。

鍾興賦是一位1992年出生於台灣台北的藝術家，現居法國土魯斯，他以多元的藝術表現形式，包括表演藝術、裝置藝術、舞台設計與繪畫來進行創作。他於2014年獲得國立臺灣藝術大學學士學位，並於2021年獲得土魯斯高等美術學院藝術碩士學位，主攻視覺藝術、表演藝術、裝置藝術等領域。近年來，他在法國－台灣的藝術界積極往返，參與了多個藝術駐村計畫並籌辦多個行為藝術工作坊。

2012年至今於行為藝術團體「POST ESPACE」擔任舞台設計，啟發了他對於行為藝術的熱情。他開始嘗試各種實驗性表演：劇場行為、街頭行為、游擊式表演，與不同國家與文化背景的藝術家進行短期藝術創作。這段經驗引領他前往法國繼續發展，開始在台灣及法國舉辦短期工作坊以及行爲藝術展演，並受邀參與各類型的駐村與國際交流活動。他的作品跨越不同的媒介，繪畫至裝置、影像以及表演藝術。他的核心觀點以「日常生活」為中心進行藝術創作，更具體地說，是探索在這個超級資本主義世界中形成的日常生活。

鄧雯馨畢業於國立臺灣藝術大學新媒體藝術所。身兼新媒體藝術家、數位藝術表演者、VJ等多重身分。所擅長的創作媒材為數位聲響、電子合成音樂、錄像及錄像裝置，嘗試運用音樂與視覺實驗詮釋科技與生命。2016年其導演及聲音設計作品《火炬下的囚犯》（Prisoners under the torch），獲第七屆數位藝術表演獎首獎。2014年起發展《Floating》系列錄像作品，曾於2014年第二十七屆法國馬賽錄像藝術節、2016年第七屆西班牙馬德里現代數位科技影音藝術節、2016年滲透影音等藝術節中展出。以聲音、影像結合身體之臨場藝術表現，演出及參展經歷遍佈於台灣、法國、中國、土耳其、俄羅斯、英國等各音樂節、藝術節及藝術博覽會。創作關注科技與人的關係，所產生的焦慮之精神狀態，並試圖以身體，探討靈魂及數位抽象自我的呈現。

孟克波洛兒．干波爾德成長於90年代蒙古，當時的社會處在一個動盪不安的時代，年少時期的他便開始十分關心如何在瞬息萬變的社會中找到自己的身分。他擅長使用在街上、建築工地和荒地所拾獲的材料與物件，以及在不同環境中所錄製或拍攝的影像與聲音，創作出探討死亡、預兆、微粒和宇宙等概念的作品，闡述生物所面臨的困境和自然界自我毀滅的力量。

干波爾德畢業自蒙古文化藝術大學綠馬學院，以及德國基爾穆德希烏斯藝術大學。畢業後移居瑞典三年，2012年回到故鄉，與友人共同創辦「人類—自然—愛—自由當代藝術運動」，成員的創作領域包括繪畫、雕塑、錄像與音樂等。此合作也豐富了他的創作實踐方式，因此開始應用攝影、錄像與自然聲響作為個人創作素材。

作品多次展出於蒙古與海外所舉辦的個展與聯展，包括在蒙古國立現代美術館、蒙古976藝廊、韓國光州亞洲文化殿堂、台北關渡美術館、美國威廉．帕特森藝廊、斯德哥爾摩愛德斯比克藝廊、中華藝術宮（上海美術館），以及德國、美國、菲律賓等地其它藝術空間。干波爾德於2017年代表蒙古參加第57屆威尼斯雙年展，於名為「Lost in Tngri」（迷失在騰格里）的展覽展出2016年所創作的作品《Karma of Eating》（飲食的業力）。

林育正1979年生於台灣台北，於1999年首次個展，並於2002年畢業於國立臺灣藝術大學雕塑學系，創作路線為思索自身窩居於城市之中的空間身分論述，除專注於雕塑裝置與機動藝術（Kinetic Art）領域的探究之外，並結合新媒體、劇場、公共藝術等跨領域結合。

2010年前創作路線以製造目的未明的無用金屬機械，以進入建築空間中去進行類考古形式的挖掘為主要創作形式，藉由此類考古挖掘的方式試圖去凸顯建築物垂直水平的物理狀態，以及提示我們已習以為常的建築角落（如地面、牆角、天花板等）的存在。

2011年開始一個新的創作脈絡，以「一個關於城市－畸零－遊蕩的蒐羅計畫」作為創作計畫的大架構，於2010年至2020年間以混合生活物件以及工業材料，去除原有功能性後再重構，在設定的框架中不斷尋找答案的行為，這樣的創作行為始於觀察、蒐羅、符號化、模組操作、翻製、再造、贗品化等，經由不斷演算及驗證，去破除觀看的慣性，並呈現抽象概念及具體情緒間的張力。

2021年開始，箱物組構的出現，象徵創作脈絡的一個新的重啟，展示箱內外之物的組構狀態，囊括著累積十多年來自製的零碎物件、收集之諸多雜件等、在每一場的呈現之中，以現地演練組裝，由鷹架的搭建到物件的選取，演示著某種自體演練的模組／程式。

克萊蒙．菲利普1987年生於法國安錫，現居及工作於法國蒙彼利埃。菲利普的創作傾向關注個別系統中的不同程度的混亂（即「熵」的概念）。在這個狂熱的科技競賽時代下，許多發展都受「出軌」的影響。這對菲利普來說，無疑形構了豐饒肥沃的藝術創作空間，而他也偏好與此主題有關的素材和媒材。

菲利普以造形回應當代議題，不偏袒任何立場，盡可能以中立方式來對選定的主題，進行更徹底的想像探索。
熵、消散、衰敗、印記、任務、壓縮、洩漏、區域、界線、檢查、圍堵。
這些字詞標示著他的造形創作中的未盡主題，圍繞著「意外」這個概念和已處理完成的訊息內容。從因為微米大小的瑕疵而報廢的零件，到車諾比核災所造成的巨大問題，菲利普皆以造形方式處理這些變化的多樣面向。

瑪莉．哈維爾於1990年出生在法國，自2011年起在法國南部的蒙彼利埃生活和工作，並於2016年以優異成績從蒙彼利埃美術學校（Mo.Co ESBA）畢業。她於2016年獲得蒙彼利埃青年創作繪畫獎，並於2017年獲得巴黎Ddessin首獎。她的作品曾在多個展覽和藝術博覽會中展出，如巴黎的Drawing Now Art Fair（2022）、盧森堡藝術週（2019、2021、2022）、巴黎的Bienvenue Art Fair（2019）、巴黎大皇宮的Art Paris Art Fair（2018）以及巴黎的DDessin（2017、2018、2019）。她還參加了多個駐村計畫，如由丹尼爾和尼娜．卡拉索基金會與巴黎國際藝術城合作的駐村計畫，或由巴黎繪畫實驗室和法國國家視覺藝術中心（CNAP）開發的Drawing Factory計畫。

自2022年2月起，她與瓦松博物館合作開展了一個長期計畫——重建藝術，題為《短期生活》，該計畫催生了自2023年6月起展出的個展「CATAKIT」，該展覽將持續至2024年底，地點位於瓦松的1919年歷史古蹟La Maison Provisoire，該古蹟是在第一次世界大戰後建造的。

通過模型製作和繪畫，瑪莉．哈維爾的作品探討了「廢墟」這一主題。她試圖捕捉廢墟出現的瞬間，無論是在景觀中，還是在我們的行為中、視野中。她因此試圖探究廢墟的潛在重現以及由此帶來的場所或景觀身分的可能變化；揭示被記憶、個體性所掩蓋的場所，也許是通過「使用過的景觀」這一概念。瑪莉尋找個人和集體歷史中的摩擦點，通過探討廢墟的方式，開闢了理解這兩者的新視角。接著，她將廢墟視為一種可能的建構模式。廢墟作為一種延伸而非終結，是一種不穩定的狀態，一種潛伏期。這是一種非確定性的狀態，既等待著崩塌也等待著翻新，不斷地消失和重生。廢墟還像是一個基礎或腐殖質，成為新建設的基礎和孵化器，無論是物質上的還是心理上的。她的作品基於緊張感、平衡點和建構／解構、發現／恢復的循環，這些循環發生在童年與成年、人類與自然、自然與孩子之間，不斷地來回往返並遊戲於比例之中。

1995年生於台北，創作內容多為行為及錄像。以自身身體為材料，用簡單而持久的動作作為環境中測試的衡準，探勘日常裡許多隱微限制和生活作息的運作。也關注生活中物件與其功能，去發覺它們與人體姿勢、形象在使用中的相互關係，並試圖透過錯誤的使用來翻轉觀眾感知。

近期展覽：「Around aground」個展，霧島藝術之森美術館，鹿兒島（2023）；「分心」個展，PTT SPACE，台北，（2022）；「2222」，嘉義市立美術館，嘉義市，台灣（2022）；「波蘭中介雙年展」，Spazio Thetis - Arsenale nord - Venezia Palazzina Modelli，威尼斯／格但斯克大軍械庫，格但斯克（2022）。