台北當代藝術館 官方網站 Museum of Contemporary Art, Taipei

畢業於倫敦切爾西藝術學院策展與典藏研究所，現任職於台北當代藝術館展覽組。策展關懷聚焦於制度運作與感性經驗的交界，試圖透過展覽實踐，思考人們如何在既定系統中建立關係、交換經驗與感知彼此。近期策展計畫包括「百合——直到觸及我們的情感象限」、「美術館之後」等。

畢業於愛丁堡藝術學院現當代藝術：藝術史、策展與評論研究所，現任職於台北當代藝術館展覽組。相信策展是一種持續與他人共同工作的實踐，在不同立場之間不斷傾聽、協調與回應，也在合作過程中建立連結與信任。期許透過策展，創造更多交流、對話與相遇的契機。

李奧森，導演與視覺藝術家，畢業於紐約州立大學媒體研究電影製作系，副修社會學系；作品以擴延電影、大規模現場藝術、參與式展演等形式，製造「暫時性情境」。主要關注社會性關係與特殊的當代精神狀態，近期作品往往不設定事件或敘事中心，以空間條件的轉化與觀看機制的重新編列，使真實意義處於懸置狀態；身體的出現與消逝未帶有指向性，觀者被引導進入具有虛構張力，但意義不明的非線性場域。

影像作品展出於倫敦海沃德美術館、柏林索瑪藝術中心、台北當代藝術館、墨西哥黑話機構、柏林世界文化宮、歐洲攝影藝術館、RPM Film Festival、光州雙年展、日惹雙年展與臺灣美術雙年展等。現場作品則於青森國際藝術中心、臺北市立美術館、京都藝術中心、兩廳院實驗劇場等機構展演。曾獲洪建全基金會、亞洲文化協會、國家文化藝術基金會、臺北表演藝術中心、山中Suplex等單位支持，並於2017年榮獲台新視覺藝術獎。

國立臺南藝術大學造形藝術研究所碩士，生活和工作於臺南。早期創作以限地製作為方法，問題意識來自生活中移動與寓居的經驗，混雜著些許路上觀察的精神；近幾年則嘗試結合雕塑、錄像、文本等展演方式，關注個人與集體在社會運動後的表述差異，和公共建築、紀念性場址在當代社群間的互動關係，透過場面調度、觀眾參與將作品營造為另類感性流動的場域，探究事件被觸發的條件與動能。

過去作品曾展出於台北當代藝術館、嘉義市立美術館、臺南市美術館等機構，獲選臺南新藝獎（2017）、桃源創作獎入選（2019）、台新藝術獎季提名獎項（2020），並曾獲得天美藝術基金會計畫贊助（2021）。

王詠翔，目前生活、創作於臺灣。畢業於國立臺北藝術大學新媒體藝術研究所。近年創作以自身在藝術產業從事展覽規劃、佈展執行等經驗，以及對臺灣當代藝術環境與空間性結構問題的觀察展開。以觀念、空間裝置、現成物及影像為創作媒材，圍繞空間關係的探討與實驗，進而提出自地理、身分、場域的邊緣位置面向中心的想像。透過作品揭露生活中因過於細碎而被忽略的事物，重新思考空間、界線和物件的意義。作品中時常出現的反身性提問，也涉及權力與政治關係，其形式背後是對我們如何存在於社會的關懷。他以自身經歷探問藝術與社會的疆界，企圖使創作更貼近生活。

陳亮融，臺南人，駐地於臺北與倫敦之間。其藝術實踐植基於物質文化研究、身體經驗與田野式觀察，從日常生活中習以為常卻鮮少被察覺的物件與系統出發，透過限地製作裝置與現場行動，建構帶有微妙張力的情境。作品曾於英國維多利亞與亞伯特博物館、白教堂美術館及澳洲維多利亞國家美術館展出。

創作背景根基於劇場，遊走於空間、媒材、文字與人群，發展以社群為核心的計畫型創作。期許作為藝術行動者，在文化觀察、田野縱深與議題探索之間，撐開與社會對話的場域。現為臺北市藝術創作者職業工會常務理事，緩慢理解藝文勞動的多重樣態，從移動的田野現場摸索行動軌跡。2021年起組成「石在工作隊」，透過藝術行動召喚公共，連結事件現場與社會大眾。

1999年出生於臺灣新竹，畢業於國立臺北藝術大學新媒體藝術系。他的創作涵蓋互動、聲音與裝置，對他而言，聲音是對世界的探索，是一種抽象而直接的能量。他的聲音裝置作品探討聲音的空間性、系統和轉化，並透過生成機制回應生活經驗與想像。與完全的計畫和控制相比，他認為聲音和特定規則下的隨機性更令人期待且具有活力。

英國攝影師道恩．帕森尼奇的創作主要探討我們與攝影的關係，以及我們對攝影的感知。她尤其關注相機存在本身所帶來的力量，以及我們如何運用或迴避這種力量。她對攝影如何捕捉真實情感，以及攝影如何引導我們重新觀看周遭世界深感興趣。

帕森尼奇的首次個展「無聊的展覽」即受到國際媒體廣泛報導。該展覽的專書《無聊之書》現收藏於英國皇家攝影學會與馬丁．帕爾基金會圖書館。2023年至2024年間，她曾參與哥本哈根路易斯安那現代藝術博物館的聯展「無可取代的人類：AI時代的創造力條件」，該展吸引了22萬名觀眾參觀。而其受委託創作《此處與彼處》為一系列描繪自英國移居海外者的肖像，作品充滿情感，曾於倫敦移民博物館聯展「離開」展出。

帕森尼奇目前與伴侶及幼女居住於聖倫納茲海濱，並在當地的攝影空間「海濱野餐」設有工作室。

1989年出生於臺灣高雄。2012 年畢業於國立彰化師範大學，2016 年取得國立臺北藝術大學美術學系碩士學位。目前生活與創作於臺南，以物件、雕塑、立體、空間裝置、綜合媒材為主要創作形式，讓不同媒材與形式相互混合、碰撞。創作多來自個人日常感知經驗的累積，藉此想像社會中的生命狀態與存在，可能像是一種透過他者或某種物件，在其內心產生的隱喻。這也許是一種曖昧的相互對應，讓身為人存在於社會中的我們，試圖展現某種身體的可能。

1994 年出生於臺灣高雄，2025 年畢業於國立臺南藝術大學造形藝術研究所。創作以雕塑與空間裝置為主要媒介，關注日常中之行為、物件與場域之間所形成的關係結構。透過對既有空間與使用狀態的介入使日常情境產生鬆動，藉此反轉習以為常的生活經驗與視覺邏輯。在看似突兀、荒謬，甚至帶有幽默感的場景之中，試圖揭示更為真實的狀態，使日常經驗得以被重新觀看與想像。

1985年出生於臺灣臺北，藝術家與藝術教育工作者，畢業於英國倫敦藝術大學。現居並創作於新北市。她的創作關注當代社會中的空間敘事。透過繪畫，她重構在制度框架下被遺忘的空間，並將其組合成奇異的室內風景。她曾參與多項視覺設計計畫，包括藝術團體鬼丘鬼鏟的主視覺設計、「佔領臺北」與「反核行動季」的插畫創作，以及實驗劇場的主視覺繪製。

她曾參與清邁 Com Peung 和印尼 Grafis Minggiran 的駐村計畫。其作品曾於臺北的行冊圖書館、尖蚪咖啡／寶藏巖國際藝術村、臺南的HO-YO空間、倫敦的南倫敦美術館與The Crypt Gallery、印尼的梭羅藝術學院，以及2025 日惹雙年展展出。她曾獲國家文化藝術基金會補助，進行海外藝遊專案（2017）與國際文化交流（2019）。

視覺藝術家菲利普．卡利亞1985年出生於法國巴黎，現居於印度班加羅爾。其作品曾於歐亞多地的美術館、藝廊與藝術節展出，包括亞爾國際攝影節、沃爾夫斯堡美術館、集美．阿爾勒國際攝影季，以及奇緣藝術節。卡利亞最近期的個展「熱力學第二定律」（The Second Law）於2025年在孟買TARQ藝廊展出。其作品曾獲巴黎法國國家造形藝術中心及多個私人單位典藏。

卡利亞曾受過社會科學的訓練，其藝術實踐藉由攝影、錄像與文本，對時間、記憶與歷史性等概念展開詰問，而其創作切入過去的保存、維護與傳播技術等主題，以及這些技術如何影響我們與真實之間的關係。他不僅關注日常姿態，也聚焦於視覺的基礎設施與視覺體制，持續探索私密與集體、政治與詩意、紀錄與虛構之間的幽微縫隙。

在個人藝術實踐之外，卡利亞也深耕南亞攝影圈，曾參與攝影出版品《PIX》（2013–2022）的合作，並共同主持致力於攝影書的平台「BIND」（2015–2020）。

陳亮璇，2012年自國立臺北藝術大學美術學系碩士班（美術創作組）畢業，2016年取得芝加哥藝術學院電影與錄像及多媒體藝術碩士學位。陳亮璇的作品大多嘗試在空間中以實驗影像的複合裝置進行敘事。站在攝影機後方的她，運用多頻道影像、聲音和觀看角度等元素，混合實驗紀錄片與家庭錄影帶的呈現手法，創造一個揉合臺灣日常生活、個人記憶以及夢境的超現實場域，期待觀者能進入這奇異空間，窺見並打破籠罩在我們每日生活之上的人為秩序。

SIDE CORE 成立於 2012 年，核心成員包括高須咲惠、松下徹與西廣太志，並由播本和宜擔任動態影像導演共同參與創作。SIDE CORE參考街頭文化的歷史與思維，以「個體如何在城市與公共空間中行動並傳遞訊息」為核心提問開展創作，並不定期與各領域的創作者展開跨界合作，於城市中的交界之處與隱蔽盲區中，創造出多元的當代實踐。

近期重要展覽包括：「脫身之路展：躲避、創造、共處——生存的迴路」（前橋美術館，群馬，2026）、「地下城」（列治文美術館，卑詩省，加拿大，2026）、「阿拉夫多藝術展 2026：歷史天使在風中起舞」（松屋百貨，福島，2026）、「地下城」（Wamono Art，香港，2026）、「連結：藝術家作為橋樑」（鳥取縣立博物館，鳥取，2026）、「新道路」（東京公民創意基地，東京，2026）、「拆解星球」（曼谷文化藝術中心，泰國，2026）、「SIDE CORE：活生生的道路，生存的空間」（金澤21世紀美術館，石川，2025）、「五周年紀念展—塑膠烏托邦：我們的新生態系統」（弘前當代美術館，青森，2025）、「SIDE CORE｜混凝土星球」（WATARI-UM美術館及戶外展區，東京，2024）、「百年後藝術祭」（千葉，2024），以及第八屆橫濱雙年展「野草：我們的生活」（神奈川，2024）。

1999年出生於臺灣臺北，現就讀國立臺北藝術大學美術學系研究所。創作多為複合媒材、影像裝置，靈感大多來自生活中的觀察與散步時的思考，透過重新思考日常物件的性質，用自身的行為產生新的脈絡。試圖混淆既有的認知途徑，與觀者過往的經驗對話。